Antje Majewski
The Man who Disappeared (Amerika)
January 27 – February 24, 2024
Opening reception Friday, January 26, 6 – 9 pm
neugerriemschneider
Linienstrasse 155
10115 Berlin
Antje Majewski’s ninth solo exhibition with neugerriemschneider, “The Man who Disappeared (Amerika)”, is a new complex of painting, video and documents that traces the mid-19th-century journey of her great-great-great granduncle, artist Georg Pflugradt (later anglicized as George Pflugradt), from Leipzig to Los Angeles by way of New York and the California Trail. For this project, developed during her residency at Los Angeles’ Villa Aurora in 2022, she uses his crossing as a means of examining migration and colonial encroachment, illuminating their enduring presences in the current-day North American and European subconscious.
The point of departure for “The Man who Disappeared (Amerika)” is a set of letters sent by Pflugradt to his parents, siblings and friends – four extended reports, each spanning numbers of months – from between 1848 and 1851. In these transmissions, archival typewritten copies of which are on display, Pflugradt details his group’s excursion over water and land, lending language to the sights, sensations, pleasures and hardships of his trek. A series of paintings by Majewski entitled “Unreliable Images” (2023) explores potential alternate manifestations of these letters, considering the interface between the read and the seen. Using an artificial-intelligence algorithm that generates pictorial output from prompts – here, vivid fragments from the source letters – and the near-infinite set of existing online imagery, Majewski begins to conceive of the scenes Pflugradt describes as he may have depicted them. She takes these technically driven products of collective memory as foundations to be built upon and modified, their digitally sterilized, ahistorical compositions disrupted and interpreted through her process. The resultant canvases describe a once-idealized land and its lofty promise of a renewed chance at life, considering the nation within the context of its exploitation-driven transformation over the course of centuries at the hands of colonists and fortune seekers. They question German-American identity in pursuit of the motives behind this diaspora, and its parallels to and divergences from present-day migratory stories. By reconstructing the past in a spectacularized mode, she emphasizes the fallibility of recollection and furthers her ongoing interrogation of our relationship to the past.
In her film “A Journey in Reverse” (2023), Majewski follows her ancestor’s trail by train and automobile, employing as a guide the letters of which she is now steward. Her chronicle is conducted back-to-front, commencing in Los Angeles – the city Pflugradt arrived to in 1850, and in which he likely succumbed to cholera shortly thereafter – and progressing eastward toward New York, where the trip terminates. Moving-image snapshots document her endeavor, standing as testaments to the landscape’s dramatic shift over time, and picturing how native cultures’ sustainable use of land has been replaced by invasive farming practices and fossil-fuel extraction. Majewski herself narrates a translated selection of Pflugradt’s messages throughout A Journey in Reverse, bridging imagery, narrative and era, and extrapolating his prosaic experiences as visual ones. This is complemented by photographs taken in historical museums that line the route – institutions dedicated to North American pioneer history, communicating their messages with through dioramas, displays and surreal accumulations of objects that portray the white settler as heroic, while reducing native populations to afterthoughts. Majewski’s notebook of watercolors, and an 1840 portrait of Pflugradt’s family that depicts him as a child, give physical presence and immediacy to the project’s protagonist.
For further press information and imagery, please contact Jonathan Friedrich Stockhorst at neugerriemschneider:
+49 30 288 77277 or jonathan@neugerriemschneider.com.

 

Antje Majewski & Pawel Freisler. Der Apfel. Eine Einführung
Umweltbundesamt
Wörlitzer Platz 1
06844 Dessau-Roßlau
Er gehört zu den ältesten Kulturobstarten und gilt in vielen Kulturkreisen als Symbol des Lebens, der Liebe, der Erkenntnis und des Reichtums. Am Beispiel des Apfels lassen sich aber auch Marktdynamiken, kritische Fragen von Ernährung, Sortenerhalt und zur Resilienz von Kulturpflanzen im Klimawandel und dem zunehmenden Verlust an biologischer Vielfalt diskutieren. Der Apfel. Eine Einführung. (Immer und immer und immer wieder), ein gemeinsames Projekt von Antje Majewski und dem polnischen Konzeptkünstler Paweł Freisler, thematisiert künstlerische, wissenschaftliche, kulturhistorische und politische Aspekte der traditionsreichen Frucht. In Aquarellen, Gemälden, Fotografien und Filmen nähern sich die Künstler*innen ihrem Gegenstand an. Die Ausstellung ist ab dem 5. Juli 2023 auf Einladung des Umweltbundesamtes und in Kooperation mit der Stiftung Bauhaus Dessau und der Urbanen Farm Dessau im Umweltbundesamt in Dessau zu sehen. Im Rahmen des Begleitprogramms zur Ausstellung sollen im Oktober Apfelbäume in der Dessauer Innenstadt gepflanzt werden.

 

 

 

4. September – 28. November 2021

Kunstmuseum Thun

Ein Projekt von Paweł Freisler und Antje Majewski.
Mit Brigham Baker, Jimmie Durham, Agnieszka Polska und Didier Rittener.

In der Ausstellung dreht sich alles um Äpfel – die Frucht, die wir am besten zu kennen glauben. Exemplarisch zeigen uns die Äpfel auf, wie unendlich gross die Vielfalt ist, welche die Natur aus einer Grundform hervorbringen kann. Sie verweisen aber auch auf die Herstellung von Lebensmitteln oder auf Debatten in der Genforschung. So fordert uns das Thema auf, über unser Verhältnis zu der von uns domestizierten Natur nachzudenken.

Initiiert von den Kunstschaffenden Antje Majewski und Paweł Freisler ist es ein gleichermassen künstlerisches, wissenschaftlich-kulturhistorisches und politisches Projekt, das seit 2014 an unterschiedlichen Orten realisiert wird. Die Ausstellung im Kunstmuseum Thun ist die grösste und umfassendste Station des Apfelprojekts und führt Arbeiten aus allen vorherigen Stationen zusammen. In Thun werden zudem Arbeiten zum Thema Apfel der Schweizer Künstler Brigham Baker und Didier Rittener integriert, die unabhängig entstanden sind. Ebenso werden Werke aus der Sammlung des Kunstmuseum Thun zu sehen sein.

 

 

Was die Augen nicht sehen, kann das Herz nicht fühlen.

Kunsthaus Dresden, 10. Jul – 17. Okt 2021

Silvia Noronha, Shifting Geologies, 2020, Foto: Sebastian Eggler

Silvia Noronha, Shifting Geologies, 2020, Foto: Sebastian Eggler

Aline Baiana, Minia Biabiany, Kadija de Paula & Chico Togni in collaboration with FELL, Patricia Esquivias, Andreas Kempe, Antje Majewski, Silvia Noronha, Uriel Orlow, Lois Weinberger

Die Ausstellung What the eyes cannot see, the heart cannot feel / Was die Augen nicht sehen, kann das Herz nicht fühlen widmet sich der Koexistenz des Menschen mit seiner natürlichen Umgebung. Landschaften und Ökosysteme werden und wurden überall auf der Welt durch Eingriffe des Menschen verändert, während Sprachen und Kulturtechniken in unmittelbarer Reaktion auf Landschaften, Pflanzen und Böden entstanden.

Ob wir die Notwendigkeiten dieses Lebens in Koexistenz erkennen, wird entscheidend dafür sein, ob das Überleben auf diesem Planeten gelingt. What the eyes cannot see, the heart cannot feel / Was die Augen nicht sehen, kann das Herz nicht fühlen zeigt zeitgenössische, künstlerische Arbeiten, die unterschiedliche Narrative von Koexistenz und globalem Wissen wachrufen.

Mit behutsamen, archäologischen, teils forschenden, teils experimentellen Herangehensweisen und naturnahen Anordnungen, basierend auf Anekdoten, Gesprächen und Archivmaterial, greifen die künstlerischen Arbeiten verknüpfte Geschichten an verschiedenen Orten auf dem Globus exemplarisch auf.

Die moderne Forstwirtschaft und das historische Wissen über den Borkenkäfer kommen hier ebenso in den Blick, wie die Geschichte einer riesigen Kaktuspflanze aus dem Norden von Mexiko, die 1992 nach Sevilla verpflanzt wurde. Bäume erzählen als stumme Zeugen die Apartheitsgeschichte Südafrikas und Filmmaterial aus der Geschichte der Umweltbewegung lässt die Größe der Aufgabe erahnen, die immer noch vor uns liegt: nämlich das (Wieder)-Erlernen von Sprachen und Formen des Wissens, die dem Vergessen anheimfielen oder systematisch marginalisiert wurden.

Anhand eines spekulativen Blicks aus der Zukunft auf die Zeit, in der wir heute leben, geht es auch darum, ob und wie es dem Menschen gelingt, wieder Teil eines Kreislaufsystems zu werden – oder was die Archäologie finden wird wenn  sie nach Spuren unseres Lebens sucht?

Kuratiert von: Christiane Mennicke-Schwarz, Vincent Schier

 

 

And the FORESTs will echo with laughter …
Wald ohne Bäume in Kunst + Wissenschaft

Ausstellung. Vorträge
27.06.2020 bis 27.03.2021

Aktuelle Öffnungszeiten:
Samstag, 10 bis 18 Uhr
Nur nach Online-Voranmeldung: www.eres-stiftung.de/besuch

ERES-Stiftung
Kunst + Wissenschaft
Römerstr. 15 
D–80801 München

Tel +49 (0)89 388 79 0 79 
Fax +49 (0)89 388 79 0 80
www.eres-stiftung.de

 

 

Künstler
John Baldessari, Luisa Baldhuber, James Benning, Persijn Broersen & Margit Lukács, John Cage, Miriam Ferstl, Fischli / Weiss, Tue Greenfort, Wolfgang Kaiser, Martin Kippenberger, Marcellvs L. & Munan Øvrelid, Klaus Littmann, Marcus Maeder, Antje Majewski, Albert Oehlen, Daniel Roth, Michael Sailstorfer, Hans Schabus

 

 

10.04. – 22.05.2020
OnLife

a project by Giacomo Zaganelli in collaboration with Angelika Stepken
http://onlife.villaromana.org


With contributions by Silvia Piantini, Fabrizio Bellomo, Yao Jui Chung, Leone Contini, Mischa Leinkauf, Armin Linke, Johannes Paul Raether, Christian Naujoks, Rosa Barba, Gabriele De Seta, Takayoshi Kitagawa, Antje Majewski, Giacomo Zaganelli, Nasan Tur

In the space of a few short weeks the world is changing in a way that no one could have foreseen until the virus spread around the planet.

Economies, enterprises, institutions, social systems, civil rights, biographies and lives are collapsing. Which people in the world will be able to reinvent themselves? And which won’t? The human species faces a new era and a new responsibility. Let’s not just sit in the waiting room focusing on our own survival and careers; it’s time to act and to react. We are in charge of our future and that of the planet. Artists are challenged to share their reflections and imaginings about today’s world and what it could be like after tomorrow. What will the New World look like? What should we save from the Old World we know?

OnLife is an attempt at reaction to the global impasse provoked by the effects of the virus. An immediate art experiment intended to investigate the potential of such an initiative that – taking inspiration from the extra-ordinary moment we are addressing – aims to make things happen, going beyond ordinary structures, schedules and restrictions. Just ten days have passed between its conception and its publication.

OnLife is an exhibition that reflects the Zeitgeist, the current spirit of the time, we are all obliged to stay at home, keeping social relationships alive only online. This is why it has been organized online, conceived for online fruition and hosted on the Villa Romana website.

* The Onlife Manifesto: Being human in a hyperconnected era is a book by Italian philosopher Luciano Floridi and his research team,
Springer International Publishing, 2015

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

KUNST ⇆ HANDWERK
Zwischen Tradition, Diskurs und Technologien

15.11.2019-16.02.2020
Eröffnung: 14.11.2019, 19 Uhr
Kuratiert von: Barbara Steiner

 

Mit Werken von Azra Akšamija, Olivier Guesselé-Garai, Plamen Dejanoff, Olaf Holzapfel, Antje Majewski, Jorge Pardo, Slavs and Tatars, Haegue Yang und Johannes Schweiger.
In Kooperation mit Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig und Kestner Gesellschaft Hannover

Kunsthaus Graz
Lendkai 1
8020 Graz, Österreich
kunsthausgraz@museum-joanneum.at

 

 

 

 

 

 

 

 

Antje Majewski & Paweł Freisler
DER APFEL. EINE EINFÜHRUNG. (IMMER UND IMMER UND IMMER WIEDER)

30.08.–20.10.2019
Eröffnung am 29.08. ab 19 Uhr

kuratiert von Lena Johanna Reisner

Galerie im Turm
Frankfurter Tor 1
10243 Berlin
Tel. 030 422 94 26

www.galerie-im-turm.net

 

 

From 22 March to 16 June 2019, the Gropius Bau explores the concept of crafts and handmade processes in Berlin’s contemporary art scene, taking its history as a former museum for decorative arts and educational institution as a starting point.

When Dorothy Iannone serenaded her friend Mary Harding in 1977, she sang an avowal to the city of Berlin, a place she had moved to only a year before with the DAAD Artists-in-Berlin programme and where she has lived ever since. Her line “And Berlin will always need you” forms the title of the first exhibition presented at the Gropius Bau in 2019.

And Berlin Will Always Need You. Art, Craft and Concept Made in Berlin is a distinctly contemporary art exhibition that sheds light on artists’ practices in the city. Presenting an evocative series of existing and newly commissioned works the exhibition engages with traditional methods of production, aesthetics and materiality, and examines historical artefacts and objects. Read more

With works by Nevin Aladağ, Leonor Antunes, Julieta Aranda, Alice Creischer, Andreas Siekmann an the Brukman workers, Mariechen Danz, Haris Epaminonda, Theo Eshetu, Olaf Holzapfel, Dorothy Iannone, Antje Majewski and Olivier Guesselé-Garai, Willem de Rooij, Katarina Šević, Chiharu Shiota, Simon Wachsmuth and Haegue Yang

Curated by Natasha Ginwala and Julienne Lorz

 

 

How to talk with birds, trees, fish, shells, snakes, bulls and lions

Eine Ausstellung von Antje Majewski mit Agnieszka Brzeżańska & Ewa Ciepielewska, Carolina Caycedo, Paweł Freisler, Olivier Guesselé-Garai, Tamás Kaszás, Paulo Nazareth, Guarani-Kaiowa & Luciana de Oliveira, Issa Samb, Xu Tan, Hervé Yamguen

 An exhibition by Antje Majewski with Agnieszka Brzeżańska & Ewa Ciepielewska, Carolina Caycedo, Paweł Freisler, Olivier Guesselé-Garai, Tamás Kaszás, Paulo Nazareth, Guarani-Kaiowa & Luciana de Oliveira, Issa Samb, Xu Tan, Hervé Yamguen

Curated by Aleksandra Jach and Ina Dinter. Concept: Aleksandra Jach, Antje Majewski and Melanie Roumiguière

How to talk with birds, trees, fish, shells, snakes, bulls and lions

16.11.2018–12.5.2019
Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin
Staatliche Museen zu Berlin
Invalidenstraße 50/51
10557 Berlin
www.smb.museum/hbf

 

 

 

 

 

 

 

FLOW MOTŁAWA vol.3 startujemy!
Zapraszamy do GGM2 przy ul. Powroźniczej w piątek 22 czerwca o godz. 19.00 na wernisaż wystawy “W Dzikiej Kocham się Wiśle”, która jest efektem ubiegłorocznej edycji projektu FLOW/PRZEPŁYW.

Podczas wernisażu wystąpi duet Małpeczki (Maria Toboła, Maria Kozłowska), który wcieli się w mistrzynie ceremonii, oraz Małgorzata Nierodzińska z performansem “Kolekcjonerka przytuleń”.

Wystawę będzie można oglądać od 23.06. do 06.07.2018, od wtorku do niedzieli od 12.00 do 19.00. Wstęp bezpłatny

Wystawę zamknie 6 lipca wieczór performatywny “Sonda ostateczna”, po którym nastąpi wypłynięcie na wiślane wody.

Artyści: Dobrawa Borkała, Agnieszka Brzeżańska, Anna Brzozowska, Jakub Gliński, Justyna Górowska, Adam Gruba, Jakub Falkowski, Olivier Guesselé-Garai, Elżbieta Jabłońska, Karolina Karwan, Paulina Kitlas-Śliwińska, Izabela Koczanowska, Tomasz Kopcewicz, Grupa Luxus (Ewa Ciepielewska, Jerzy Kosałka, Małgorzata Plata, Pawel Jarodzki, Bożena Jarodzka, Szymon Lubiński), Antje Majewski, Cecylia Malik, Małpeczki (Maria Kozłowska, Maria Toboła), Tomasz Mróz, Muzealne Biuro Wycieczkowe (Tomek Pawłowski, Rafał Żarski), Gosia Nierodzińska, Dominika Olszowy, Franciszek Orłowski, Sławomir Pawszak, Katarzyna Przezwańska, Karol Radziszewski, Szymon Rogiński, Helena Siemińska, Emilia Sobczuk, Michał Szlaga, Małgorzata Szymankiewicz, Angelica Teuta, Tomasz Wawak, Dorota Walentynowicz, Alicja Wysocka, Patryk Zakrocki, Zuzanna Ziółkowska-Hercberg

Kuratorki: Agnieszka Brzeżańska, Ewa Ciepielewska, Tomek Pawłowski
https://www.facebook.com/flowprzeplyw/
flowczyliprzeplyw@gmail.com

 

 

Der Apfel. Eine Einführung. Immer und immer und immer wieder
Kunsthalle Lingen

 

 

Olivier Guesselé-Garai & Antje Majewski
Curator: Aurelia Nowak
Opening of the exhibition: Tuesday, 24.10.2017, 7.00pm
Duration of the exhibition: 25.10 – 09.12.2017
Please visit us also on Facebook:
The show coincides with a group show “The Shadow Waiting for the Full Moon” at Obrońców Stalingradu 17, which opens also on the 24 October at 8:30PM

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Conditions of Political Choreography
NBK Berlin
June 16 Opening
July 29 Discussion with Anders Ami Ettinger, Antje Majewski, Clemens Messerschmid, Susanne Winterling
July 6-9 Performances of “Song of Wheat”

 

 

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Luther und die Avantgarde, Altes Gefängnis, Wittenberg, D

 

 

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„The Real Estate Show Extended/Berlin“, c/o KUNSTPUNKT BERLIN, Schlegelstr. 6, 10115 Berlin
03. 06. – 24. 06. 2017, Eröffnung / Opening: Fr. / Fri., 02. 06. 2017, 19:00

 

 

 

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Notations of Movement // Films by Jim Finn, Karl Kels, Rainer Komers, Antje Majewski, Kenji Ouellet In collaboration with the project and exhibition space MEMPHIS

Notations of Movement // Films by Jim Finn, Karl Kels, Rainer Komers, Antje Majewski, Kenji Ouellet
In collaboration with the project and exhibition space MEMPHIS

Screening:
Moviemento Cinema, Linz, AT
21/2 2017 8pm

The films in this program speak of the potency of silent eruptions. In various ways they observe political, societal or formal systems, reflect on them and unsettle them to their foundations.

 

 

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ZAT (Zone Autonomie Temporaire)

LABORATOIRE AGIT’ART
17 RUE JULES FERRY DAKAR
1. December – 11. December

Le ZAT ( Zone d’Autonomie Temporaire) consiste à prendre un espace, une partie entière de la ville avec sa configuration et son fonctionnement habituel et de le libérer pour la création artistique
il s’agira de montrer comment la vie courante d’une rue peut être considéré comme un art, une œuvre, un souffle de vie et d’action commun .
faire en sorte que la rue elle-même et ses habitants deviennent une œuvre et des créateurs, créateurs de leur quotidien commun et de sa beauté
redynamiser le mot art, pour le rendre à la vie et pas seulement déstabiliser la rue pour l’offrir à l’art dans sa version habituelle.
occuper toute la rue Jules Ferry, les magasins, les halls d’hôtels, les boutiques et l’entrée des maisons pour y exposer des artistes. Faire une performance avec 250 performeurs sur tout le long de la rue durant le vernissage le 8 décembre à 17h
https://www.facebook.com/events/1623193401318362/

 

 

source

 

http://www.conditionsofpoliticalchoreography.org/
https://www.facebook.com/CCAtelaviv

 

 

Eine Stichprobe
Zwei Monate lang wagen wir ein Experiment: In einer Stichprobe mit 29 Künstlerinnen und Künstlern zeigen wir einen subjektiven Querschnitt durch die künstlerische Produktion in Brandenburg. Unter Missachtung aller Grenzen, Genres, Hierarchien stellen wir aus, was uns aufgefallen ist. Die Ausstellung wird zur Feldstudie – nicht nur über ein Land, sonden auch darüber, wie fließend Kultur und Identität erscheinen, wenn man schaut, ohne das Ergebnis zu kennen.
http://www.bkv-potsdam.de/brandenburg-atlas

 

 

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Farewell to an Idea

Geta Brătescu, Nina Canell, Vajiko Chachkhiani, Daniel Gustav Cramer, Haris Epaminonda, Markus Hoffmann, Felix Kiessling, Antje Majewski, Michael Müller, and Katie Paterson
curated by Jaromir Hladík
Opening: Tuesday, 13.09.2016, 19-21h
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“Farewell to an Idea. We are together, here, for now.
We’ve never met. We’ll never meet, most likely.
The half we can never possess remains.”
Jaromir Hladík

Neue Berliner Räume freut sich, zur Eröffnung von Farewell to an Idea einzuladen.
Die Ausstellung besteht aus zwei Teilen:
I. Fünf Künstler_innen konzipieren ein „Werk“, das nur in der Vorstellung existiert. Jede Idee wird in zwei Umschlägen verschlossen. Einer der beiden Umschläge wird gerahmt und im Ausstellungsraum präsentiert. Der andere wird im Vorfeld an eine zufällig ausgewählte Person verschenkt.
II. Fünf Künstler_innen zeigen ein „Objekt“ aus (fast) unbearbeitetem Material.
Fünf Objekte und fünf Ideen. Verborgen und frei. Die Zukunft hat Zeit.
Neue Berliner Räume is pleased to invite you to the opening of Farewell to an Idea.
The exhibition is composed of two parts:
I. Five artists contribute a “work” that only exists in the imagination. Each idea is enclosed in two envelopes. One of the two envelopes is framed and presented in the exhibition space. The other one is given to a randomly selected person as a present.
II. Five artists contribute an “object” from (almost) unworked material.
Five objects and five ideas. Hidden and free. The future takes time.

Address
Plattenpalast, Wolliner Str. 50
10435 Berlin-Prenzlauer Berg
(Map)
Duration
15. – 25.09.2016 free entry
Opening times
15. – 18.09.2016, 3pm – 6pm
Sunday, 25.09.2016, 3pm – 6pm

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Objects Do Things

Exhibition, performance, cinema, puppet slam
February 26–July 31, 2016
Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle
2 Jazdów Street
00-467 Warsaw, Poland
Hours: Tuesday–Sunday 12–7pm,
Friday 12–9pm
T +48 22 628 12 71
csw@csw.art.pl
Artists: Marvin Gaye Chetwynd, Geoffrey Farmer, Pierre Huyghe, Christopher Kline, Tomasz Kowalski, Antje Majewski, Paul McCarthy, Shelly Nadashi, Paulina Ołowska, Tony Oursler, Mary Reid Kelley and Patrick Kelley, Pedro Reyes, Lindsay Seers, and many others
Curator: Joanna Zielińska
Dramaturgy: Tim Etchells
Jokes: Michael Portnoy

A puppet theater resembles the human world, in miniature, with the one difference: its actors are small, animated objects. Puppets often remind us of the way we were as children and, indeed, the word “puppet” comes from “poppet,” an English term of endearment for a child. The little actors are like shells, they belong to anyone who knows how to make a character out of them. They have been known to become our agents in the world of grown-ups. They can be sharp-tongued, making grandiose speeches about politics, and they embody our inner voices and the weaknesses we want to conceal. Since they are in a way immortal, puppets can perform in scenes that are too daredevil for humans. They make us laugh. They often turn into animal figures, sometimes they become giants or naturalistic dolls, which look almost exactly like humans. Interacting with them can give us an anxious or uncanny feeling.

The Objects Do Things project appeals to the pleasure we get from engaging with the world of the imagination. It is shaped by the changes that have taken place in the visual arts in the past few years: the appearance of very many narrative and fictional threads and the unstoppable need to tell stories. It also uses the distinctive aesthetic that in popular culture brings to mind children’s theater and television programs. By contrast, the tradition of the puppet theater has deep roots in the history of the European avant-garde and the early days of performance art, especially Bauhaus, Surrealist, and Dada experiments.

This project came about at the point where theater and the visual arts meet, with fictional characters created by artists. Connecting the exhibition’s scenographic quality with live theatrical acts is an important innovation of the project. What happens when the theater in its most traditional form interacts with the art world, and who are the characters of this exhibition? What traits does a character need to possess for the public to want to identify with her? Empathy helps a human community survive, but when do emotions develop towards inanimate objects? How far can empathy go in the world of things?

The project puts “things” at the center of the study. It shows how objects can exist and interact in the artistic world and how this can refer to human existence. This is one of the key challenges of object-oriented ontology, with its commitment to realism and the belief that objects exist independently of the human mind. The characters brought into existence by artists have the ability to speak; rather extraordinarily, they activate stories contained in the exhibition space. Puppets become tools to actuate memories, and at the same time introduce narrative as part of the project.

The exhibition will host a film program, a performance program, and a puppet slam—a cabaret whose actors will include puppets. We will put on sketches conceived by visual artists and expert puppeteers. Stand-up comedy improvisations, karaoke jokes, and many other attractions will take place on a specially constructed stage set in the theater space of the Center for Contemporary Art Ujazdowski Castle.

Trailer: Episode 1Episode 2